04音乐家舞蹈家和观众同步创作

在我们的这个作品中，观众其实是真正的舞台，观众自己的情感和意识其实会参与到作品的完成中，因为没有观众在场，这个演出是不可能完成的。如果没有观众的解读，这个作品是什么，也是无法呈现的。观众是参与创作的，从第一个音第一束光开始，他们就已经开始参与创作了。以往已经排练好的非即兴作品，观众在观赏的时候就是二度创作。但是对于即兴表演，观众和我们是同时创作。

我们每一场都会录音。剧场表演是现场艺术，即兴更是现场艺术中的现场艺术，所以即兴艺术保留下来的录音是另外一回事，它跟即兴没有太大关系，可能把录音拿去分析研究甚至是出专辑。但这是这个时代的音乐给我们的习惯性思维，已经物化了的观念。但是现场艺术是多维度的，它是一个无法复制的，说白了那些排练好的作品也是无法复制的，因为只有那一场才是那个效果，音响、舞台、观众的反应合在一起才是那个效果。现场艺术的魅力就是当下，当下人与人之间的连接和共振，你在那一刻能够接受多少能够有多少共振，其实是最有价值的。

多年来，我进行的即兴尝试很多，跟不同的艺术家之间都有过合作。不过，我认为陶冶和陶身体舞团是国内独一无二无法取代的，最重要的是他们对身体的纯粹性。通过身体去讲故事的作品很多，但陶身体却只想让观众看到身体，而那个故事却是由观众自己构建出来的，这样的艺术表现其实更纯粹。

05寻找自我·建立自我·超越自我·无我

肢体是一个特别神圣的东西，它可能是所有现场艺术里最抽象的。有时候我们说声音抽象，主要是声音看不见，但声音其实挺具体的。但是一个肢体往那儿一站，表演的站和不表演的站很难分别，如果没有一定的感知力和鉴赏力，几乎没有办法发掘。这就是肢体语言更难表达的一面。

艺术家有很多成长阶段，从最早的寻找自我，到后来建立自我，这时候他可能已经知道自己是谁了，已经知道最想成为什么样的人，开始本着那个方向塑造自己的风格。最后是一个超越自我的一个过程。再往后可能就是那个无我的境界了。这几个阶段应当是每一个艺术家的必由之路，但不一定他能够到最后那个状态。有些艺术家可能到了建立自我的那个阶段，他的艺术生涯就结束了。但是这个方向都是一样的，所以对于大众来说也应该有这个意识，应当给很多年轻艺术家一个成长的机会。有些艺术家的作品感觉什么都像又什么都不像，这就像寻找的状态；有的艺术家风格特别鲜明，但又是让你什么都看不懂，不知道他在干嘛。当然这不能只怪艺术家，有时候我们说看得懂一件事情，一定是你有过经验的，你才叫看得懂。如果没有经验的恰恰还是看不懂。所以在这件事情上，观众也要有一个更开放的心态，这样你就可以欣赏更多的东西。我可以断定，当一个艺术家到了超越自我的那个阶段，他的作品一定不会看起来难受的。到了无我的阶段，就会是更共情的东西。艺术其实就是一个通道，通往每个生命都可以在精神上升华、共振和启迪的通道。好的作品一定是这样的。

06即兴是一个状态